El arte de la guerra

Siglo V a.C.

de Sun Tzu

Tratado militar chino atribuido al estratega Sun Tzu, texto fundamental del pensamiento militar confuciano. En el programa se cita al inicio para establecer la metáfora de la vanguardia: Sun-Tzu 'sostiene que la mejor forma de llevar adelante una guerra es justamente no atacar de frente, sino hacer una serie de movimientos que permitan ir rodeando al enemigo y a la vez también, de alguna manera ir agotándolo'. Esta estrategia 'quitaría la fuerza de cierta vanguardia en el frente'. Aunque el programa aclara que no se hablará 'de términos bélicos en el sentido de un manual de táctica y estrategia', el concepto militar de vanguardia como 'quienes van primero, delante de la guardia' establece la base metafórica para entender los movimientos artísticos que van al frente, arriesgándose y abriendo camino.

Mencionado en el tiempo00:51

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Del arte de la guerra

1521

de Nicolás Maquiavelo

Tratado renacentista sobre estrategia militar y política del pensador florentino. Mencionado brevemente en el programa en el contexto de Napoleón: 'Napoleón, uno de los más grandes estrategas de la historia y un gran lector de Maquiavelo, quien también escribió un arte de la guerra'. Aunque el programa se centra en la cita napoleónica ('todo hombre tiene su precio'), la mención de Maquiavelo conecta con la tradición del realismo político que no idealiza la naturaleza humana. Esta visión realista de que todo puede ser comprado o corrompido se aplica críticamente al arte de vanguardia: por más revolucionario que pretenda ser, también tiene su precio y puede ser absorbido por el mercado. Maquiavelo representa la tradición del pensamiento estratégico aplicado tanto a la guerra como a la política del arte.

Mencionado en el tiempo05:05

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Manifiesto Futurista

1909

de Filippo Tommaso Marinetti

Primer manifiesto del movimiento futurista, publicado en Le Figaro de París. Texto fundacional de las vanguardias del siglo XX donde Marinetti proclama la famosa sentencia: 'el automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria alada de Samotracia'. El manifiesto exalta 'lo sensual, lo mecánico y hasta si se quiere lo bello de la máquina', planteando 'la provocación en torno de que a partir de ahí está' la modernidad. Marinetti busca 'encender el avispero, mover el avispero para repensar el lugar de la creación artística' cuestionando 'el problema de la creación, el problema de la forma y el fondo, el problema de en qué medida es factible que el arte siga siendo representación de la realidad'. El manifiesto marca el inicio de la 'época de manifiestos' característica de las vanguardias, donde la teoría y la proclama son tan importantes como la obra misma.

Mencionado en los tiempos23:52, 38:27

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La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica

1936

de Walter Benjamin

Ensayo fundamental del filósofo alemán sobre cómo la reproducción técnica transforma el arte y su relación con las masas. Es 'el texto más famoso de Benjamin, que se da en teoría literaria 1, en las facultades de letras'. El programa plantea que Benjamin discute 'hay algo que se pierde justamente en la producción en serie' del arte, tema que 'la vanguardia viene de algún modo, como primera instancia, a cuestionar o a poner ahí en el candelero'. La pregunta central: si tomo la Mona Lisa y 'la sobreimprimo en una remera', ¿estoy llevando una obra de arte? Benjamin analiza la pérdida del 'aura' de la obra original en la reproducción masiva, tema directamente relacionado con cómo la vanguardia cuestiona la producción artística misma y cómo el capitalismo transforma el arte en mercancía.

Mencionado en el tiempo25:46

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Manifiesto Dadaísta

1918

de Tristan Tzara y otros

Manifiesto fundacional del movimiento dadaísta, escrito principalmente por Tristan Tzara y presentado en el Cabaret Voltaire de Zúrich. El programa menciona: 'yo recuerdo cuál era el gran manifiesto de los dadaístas, ¿dónde se habían reunido? En Cabaret Voltaire, en Suiza, en medio de la gran guerra 1917', aunque el manifiesto se publicó en 1918. Los dadaístas buscaban la festividad y provocación radical: 'si hay algo que las vanguardias intentaron es justamente esta idea de la supuesta alegría del momento, la festividad'. El dadaísmo fue 'brevísimo', apenas 'un toque de timbre', pero 'lo suficiente como para haber marcado un determinado momento'. Representa la vanguardia más nihilista y anti-arte, cuestionando radicalmente todas las convenciones artísticas y sociales en el contexto de la destrucción de la Primera Guerra Mundial.

Mencionado en los tiempos38:13, 39:11

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La revolución del arte moderno

1955

de Hans Sedlmayr

Obra del historiador del arte austriaco que teoriza críticamente sobre el arte moderno y las vanguardias. Es presentado como 'uno de mis favoritos que teoriza la revolución del arte moderno'. Sedlmayr plantea la tesis central discutida en el programa: 'el problema es cuando el arte se revela contra el arte'. Esta idea es calificada como 'exacta' porque si bien 'obviamente que tienen que haber en una renovación de la sustancia' artística, 'la esencia es fija porque lo que decíamos es la evolución del espíritu, el espíritu es inmóvil'. Si se entiende 'la unidad trascendente del arte' como 'algo sagrado, es un principio, no es histórico', entonces 'la historia del arte es algo que se dice para' clasificar pero no refleja una verdadera evolución. Sedlmayr sostiene que 'el arte moderno ya no quiere ser arte'. Sus libros 'son difíciles de conseguir en español', pero 'si saben inglés' son altamente recomendados.

La necesidad del arte

1959

de Ernst Fischer

Ensayo del escritor y político austriaco sobre la función social del arte y su papel en la sociedad. Fischer 'plantea esta idea de que es innato al ser humano, la condición de la búsqueda de la belleza'. El libro sostiene que 'es innato también la condición de la búsqueda del arte, por supuesto, de la manifestación artística'. Esta tesis fundamental conecta con la discusión del programa sobre si el arte es un impulso natural o una construcción histórica. Fischer argumenta que la necesidad humana de crear y experimentar arte es antropológicamente universal, aunque sus formas cambien históricamente. El libro es relevante para entender por qué incluso las clases populares buscan belleza y arte (como se ilustra con la anécdota del dulce de batata con la Mona Lisa), porque esa búsqueda es inherente a la condición humana.

Romancero gitano

1928

de Federico García Lorca

Colección de romances del poeta granadino, mencionada como ejemplo de surrealismo en la poesía española que mantiene formas tradicionales. El programa cita específicamente 'Romance de la Luna, Luna': 'El niño vino a la fragua, con su polizón de nardo, el niño la está mirando' y 'Romance sonámbulo': 'Verde que te quiero verde'. Lorca logra un 'surrealismo impresionante' manteniendo la métrica clásica del octosílabo y la estructura del romance, pero con contenido profundamente onírico. La obra demuestra que la vanguardia no requiere necesariamente romper con todas las formas tradicionales: 'hay elementos simbólicos' y 'una influencia fuertemente marcada de alguna pátina surrealista en cuanto a la configuración de la forma y el fondo', pero con la maestría poética tradicional de Federico. Ilustra la síntesis posible entre tradición formal y contenido vanguardista.

Mencionado en el tiempo1:09:50

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Poeta en Nueva York

1940

de Federico García Lorca

Colección póstuma de poemas de Lorca escritos durante su estancia en Nueva York (1929-1930), mencionada en el programa como ejemplo de verso libre y blanco en contraste con el 'Romancero gitano'. Mientras el Romancero mantiene formas métricas tradicionales con contenido surrealista, 'Poeta en Nueva York' representa una ruptura más radical tanto en forma como en contenido. Los poemas expresan el shock cultural y la alienación de Lorca en la metrópoli moderna, con imágenes más fragmentadas y violentas que su obra anterior. La mención de ambas obras de Lorca ilustra cómo un mismo autor puede trabajar con diferentes grados de experimentación formal, desde la renovación dentro de formas clásicas hasta la ruptura más radical con el verso libre, demostrando la versatilidad del genio poético.

Mencionado en los tiempos45:20, 1:09:50

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Manifiesto Surrealista

1924

de André Breton

Primer manifiesto del movimiento surrealista, texto fundamental donde Breton define el surrealismo como 'automatismo psíquico' no mediado por la razón. El programa señala que este manifiesto 'abreva claramente de las teorías psicoanalíticas' de Freud sobre el inconsciente. El surrealismo propone la escritura automática y 'la forma libre' para acceder al inconsciente sin censura racional. Interesantemente, el programa menciona que Breton consideró llamarlo 'manifiesto de comunismo', revelando las conexiones políticas del movimiento. El manifiesto establece que el arte debe liberarse de las ataduras racionales y burguesas para acceder a verdades más profundas del psiquismo humano. Define una nueva forma de realidad donde sueño y vigilia se funden, revolucionando no solo el arte sino la comprensión misma de la realidad y la conciencia.

Mencionado en el tiempo1:09:49

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Tratado de armonía

1911

de Arnold Schoenberg

Texto teórico fundamental del compositor austriaco sobre teoría musical, mencionado en el programa en el contexto del dodecafonismo y la ruptura con la tonalidad tradicional. Schoenberg escribió este tratado cuando aún componía música tonal pero ya exploraba los límites de la armonía tradicional. El tratado es irónico porque enseña magistralmente el sistema tonal que Schoenberg posteriormente destruiría con el dodecafonismo. La mención del tratado enfatiza el punto crucial del programa: 'para poder entender dónde romper, dónde está el límite y sobre lo conocido tradicionalmente, justamente hay que entender la esencia operativa de ese arte'. Schoenberg conocía tan profundamente la armonía tonal que pudo deconstruirla sistemáticamente. El tratado representa la paradoja de la vanguardia: el dominio absoluto de la tradición como prerequisito para su superación radical.

Mencionado en el tiempo55:45

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Never Look Away

2018

de Florian Henckel von Donnersmarck

Drama alemán del director de 'La vida de los otros' que narra la historia de un joven artista en Alemania desde la época nazi hasta la posguerra. La película es mencionada en el programa como un ejemplo clarísimo de la teoría del arte y las vanguardias. El director, quien tiene estudios de maestría en filosofía, presenta el camino del artista enfrentando la disrupción vanguardista versus el arte clásico, y cómo la verdadera esencia del arte no es un principio histórico sino trascendente. La película muestra que el arte puede estar 'anidado en una figura abstracta y puede estar anidado en un clasicismo', siendo el desafío unir ese principio. Es destacada por su claridad conceptual sobre lo que significa operar con arte versus revelarse contra el propio arte, tema central del episodio sobre vanguardias.

Mencionado en el tiempo90:29

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Titanic

1997

de James Cameron

Épica historia de amor dirigida por James Cameron. En el programa se analiza como metáfora de la relación entre arte y burguesía. Rose representa la clase burguesa encorsetada, literalmente asfixiada, que pretende consumir arte por su exotismo sin comprenderlo verdaderamente. Jack, el artista que pinta 'como tus muchachas francesas', representa el arte genuino. La escena donde aparecen 'Las señoritas de Avignon' de Picasso en el barco (con licencia poética de Cameron) simboliza el contraste entre ese mundo burgués y la vanguardia artística. Se destaca la frase de Rose: 'él me salvó de todas las maneras que se puede salvar a alguien', conectando el amor y el arte como dos principios trascendentes que pueden salvar el alma, en línea con Dante y Beatrice.

Mencionado en el tiempo67:49

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Psycho

1960

de Alfred Hitchcock

Thriller psicológico de Alfred Hitchcock, mencionado específicamente por su innovador uso del plano cenital en la muerte del detective Arbogast. Este plano desde arriba, 'la mirada de Dios' según la discusión, es comparado con la perspectiva utilizada por Salvador Dalí en 'Cristo de San Juan de la Cruz' (1951). Ambas obras utilizan el mismo ángulo dramático para crear un efecto visual y emocional poderoso. La referencia sirve para ilustrar cómo las técnicas vanguardistas en pintura influenciaron e inspiraron revoluciones cinematográficas, demostrando la interconexión entre las distintas formas de arte y cómo el dominio técnico permite la innovación significativa.

Mencionado en el tiempo56:00

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Los Simpsons

1999

'Mom and Pop Art' (Temporada 10, Episodio 19) - Episodio de Los Simpsons que ofrece una sátira del arte contemporáneo y el mercado del arte burgués. Homero intenta armar una parrilla siguiendo las instrucciones pero falla, creando un invento desastroso que una galerista descubre en la basura y compra como arte. Homero ingresa al mundo del arte contemporáneo y el episodio ironiza sobre cómo la burguesía consume arte sin comprenderlo realmente. Como se destaca en el programa, este capítulo de la temporada 10, 'todavía se mantenía un espíritu ciertamente crítico' de la época dorada de Los Simpsons. El final es particularmente significativo: Homero termina entendiendo que el arte verdadero debe 'provocar el movimiento del espíritu', y hace algo 'muy lindo, muy simpático, muy osado' regalándole arte a Marge de una forma genuina. Es presentado como la crítica perfecta a la superficialidad del mercado del arte y a cómo la vanguardia puede ser absorbida por el sistema que pretendía criticar.

Mencionado en el tiempo65:00

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Matrimonio Arnolfini

Óleo de Jan van Eyck (1434) que representa al mercader Giovanni Arnolfini y su esposa en un interior burgués flamenco. El programa lo elige como cuadro de fondo para ilustrar las rupturas artísticas previas a las vanguardias del siglo XX. La obra es revolucionaria por múltiples razones: Van Eyck firma el cuadro (primer pintor en hacerlo, estableciendo la autoría), usa perspectiva bien marcada del interior, y logra un 'realismo increíble' con detalle humanista donde 'se notaría hasta las expresiones del pelo' si uno pudiera acercarse. La pintura contiene el famoso 'espejo infinito' en el fondo que refleja a la pareja y al espectador, creando un efecto de fuera de campo similar a Las Meninas de Velázquez. La dama tiene la mano sobre su vientre en 'posición claramente de maternidad', aunque no está embarazada sino que era la moda de la época. Van Eyck es 'el pintor de la primera burguesía', abandonando la temática religiosa tradicional por retratos de mercaderes acomodados. Su dominio técnico era tal que 'se decía tiene un pacto con el diablo'.

Victoria alada de Samotracia

Escultura helenística griega (c. 190 a.C.) que representa a la diosa Nike. Marinetti en el Manifiesto Futurista (1909) proclama provocadoramente: 'el automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria alada de Samotracia'. Esta sentencia representa la provocación fundamental del futurismo en torno a que la máquina, el elemento fabricado, puede ser objeto artístico superior a las obras clásicas. El programa describe la escultura: 'si uno ve la Victoria de Samotracia, que es una escultura incompleta de la antigüedad clásica, ve la perfección, ve la sutileza', está 'descabezada' por daño histórico, pero 'si uno pudiese verla en su estado completo, estaría frente a una obra trascendente, una obra clásica'. La escultura tiene 'una cosa fabulosa, los pliegues, la musculatura, las alas'. La comparación de Marinetti busca 'encender el avispero' para 'repensar el lugar de la creación artística', cuestionando si el arte debe seguir siendo representación de ideales clásicos o puede celebrar la modernidad industrial.

Cabaret Voltaire

Local nocturno fundado en Zúrich, Suiza, en 1916 por Hugo Ball y Emmy Hennings, que se convirtió en la cuna del movimiento dadaísta. El programa recuerda: '¿dónde se habían reunido [los dadaístas]? En Cabaret Voltaire, en Suiza, en medio de la gran guerra 1917' (aunque el Manifiesto Dadaísta se publicó en 1918). El cabaret era un espacio de refugio artístico en la neutral Suiza durante la Primera Guerra Mundial, donde artistas, poetas y desertores se reunían. Allí Tristan Tzara y otros dadaístas desarrollaron performances, lecturas de poesía sonora y provocaciones que buscaban destruir todas las convenciones artísticas y sociales. El programa enfatiza que 'si hay algo que las vanguardias intentaron es justamente esta idea de la supuesta alegría del momento, la festividad'. El dadaísmo fue 'brevísimo', apenas 'un toque de timbre', pero 'lo suficiente como para haber marcado un determinado momento'. El Cabaret Voltaire simboliza la vanguardia como espacio de resistencia cultural ante el horror de la guerra.

La persistencia de la memoria (Los relojes derretidos)

Óleo de Salvador Dalí (1931), una de las obras más icónicas del surrealismo. El programa la menciona como ejemplo de las 'grandes sentencias y grandes ejemplos' de las vanguardias: 'los relojes derretidos de Dalí'. La obra muestra relojes blandos derritiéndose en un paisaje onírico, desafiando las nociones de tiempo y realidad física. Dalí es presentado como ejemplo perfecto de que no se puede romper lo que no se conoce: su dominio absoluto de la técnica pictórica tradicional (visible en obras como 'Cristo de San Juan de la Cruz') le permitió crear su surrealismo innovador. 'Es el mismo autor de los relojes derretidos', enfatizando que no es 'un loquito con un pincel' sino un maestro técnico. Los relojes derretidos representan el cuestionamiento surrealista de la realidad objetiva, mostrando cómo el tiempo psicológico difiere del tiempo cronológico, tema central del automatismo psíquico bretoneano.

Cristo de San Juan de la Cruz

Óleo de Salvador Dalí (1951) que representa la crucifixión desde una perspectiva cenital radical. El programa lo analiza extensamente: 'Mira lo que es esto. Eso es Dalí. No me van a decir ahí que no, no es un loquito con un pincel'. La perspectiva desde arriba, 'el plano cenital', es comparada con la famosa escena de la muerte de Arbogast en 'Psicosis' de Hitchcock: 'es esta perspectiva, este plano, como dice la Condesa, la mirada de Dios'. La obra demuestra el dominio técnico absoluto de Dalí: 'hay un conocimiento del arte primordial, de la base'. El cuadro es presentado como evidencia de que 'hay que pintar 100, 200, 1000 acuarelitas de arbolito para poder entender la ruptura'. Dalí conocía perfectamente el arte tradicional antes de crear su surrealismo. El Cristo sin rostro visible, visto desde la perspectiva divina, representa tanto innovación formal como profundidad espiritual, demostrando que la vanguardia puede operar con arte sin destruir la trascendencia.

La traición de las imágenes (Esto no es una pipa)

Óleo de René Magritte (1929) que muestra una pipa pintada con la inscripción 'Ceci n'est pas une pipe' (Esto no es una pipa). El programa la menciona como uno de los 'grandes hitos, grandes sentencias y grandes ejemplos' de las vanguardias, junto a los relojes derretidos de Dalí. La obra plantea problemas filosóficos fundamentales sobre la relación entre representación y realidad, entre palabra e imagen. Magritte tiene razón: no es una pipa, es la representación pictórica de una pipa, no se puede fumar. Esta obra conceptual cuestiona radicalmente 'en qué medida es factible que el arte siga siendo representación de la realidad', tema central de la crisis de representación de las vanguardias. Magritte representa la vertiente más filosófica del surrealismo, menos onírica que Dalí pero igualmente subversiva. El programa señala que Magritte y Dalí tienen 'pensamientos casi contradictorios, no contradictorios pero opuestos', ilustrando la diversidad dentro del mismo movimiento vanguardista.

El grito

Óleo de Edvard Munch (1893), obra icónica del expresionismo. Mencionada en el programa en el contexto de las vanguardias 'de corte nórdica, alemana, noruega' que tienen 'una forma' particular distinta del surrealismo francés o el futurismo italiano. Hay un momento humorístico cuando dicen que 'el doctor fue de Munch', a lo que responde: 'yo sabía que era feo, pero tan feo'. El Grito representa la angustia existencial mediante la distorsión expresionista de la forma y el uso expresivo del color. La figura central con las manos en la cara y la boca abierta en grito silencioso, sobre un puente con un cielo arremolinado en rojos y naranjas, captura el horror psicológico de la modernidad. El expresionismo de Munch ilustra cómo la vanguardia nórdica abordó la crisis de representación desde la interioridad psicológica y el trauma, diferenciándose de otras vanguardias más formales, conceptuales o lúdicas. Es la expresión visual del dolor existencial moderno.

La Fuente (Mingitorio)

Ready-made de Marcel Duchamp (1917), un urinario de porcelana firmado como 'R. Mutt'. El programa lo critica duramente como 'un insulto a la humanidad' y ejemplo paradigmático de cuando la vanguardia deja de operar con arte. Se cuestiona: '¿cómo puede ser que en determinado momento, tal caradurismo, haya permitido decir, bueno, entonces, ahí estaba, muy bien?' Duchamp 'compró una' urinario sin trabajar artísticamente con él: 'no me lo pongan en un museo para conservarlo'. La obra representa el momento problemático cuando 'el arte se revela contra el propio arte' (Sedlmayr). Se menciona irónicamente que la obra original 'se perdió'. El mingitorio es presentado como figura que marca tanto el inicio como 'posiblemente el fin del arte moderno': algunos teóricos sostienen que 'la idea del arte moderno se agotó en el mingitorio'. Representa el límite donde la provocación dadaísta deja de ser renovación para convertirse en negación total del arte, aunque paradójicamente fundó el arte conceptual.

Comedian (La banana con cinta adhesiva)

Obra de Maurizio Cattelan (2019) consistente en una banana pegada a la pared con cinta adhesiva (duct tape). El programa la critica severamente: 'a mí me parece un insulto a la humanidad'. La banana 'se vendió' por cantidades exorbitantes (el programa menciona 150,000 dólares en otro contexto). Se cuestiona: '¿cómo puede ser que se haga semejante cosa?' Un 'japonés' la compró, pero 'no era esa porque ya estaba recontrapodrida', entonces 'le vendió el derecho de poner una banana con determinada cinta, en una pared blanca'. La obra ilustra perfectamente cómo 'el mercantilismo que denuncia el artista es el mercantilismo que el artista termina haciendo con eso que llamó obra de arte'. Representa el absurdo del mercado del arte contemporáneo donde la burguesía consume sin comprender: 'hay muchísimo dinero dando vuelta en el mundo, que hay que de alguna manera invertirlo'. La banana simboliza cómo la provocación vanguardista ha sido completamente absorbida por el capitalismo que pretendía criticar.

Las señoritas de Avignon

Óleo de Pablo Picasso (1907), obra fundacional del cubismo. Mencionada brevemente en el contexto de la película 'Titanic': hay 'un contraste' cuando aparecen 'las señoritas de Avignon' en el barco, 'un poco de licencia poética de Cameron'. La obra muestra cinco prostitutas del barrio barcelonés de Avinyó con rostros que incorporan influencias de máscaras africanas, rompiendo radicalmente con la perspectiva y representación tradicionales. Las figuras están fragmentadas geométricamente, anticipando el cubismo analítico. La mención en 'Titanic' sirve para ilustrar el contraste entre 'ese mundo encorsetado, literalmente, asfixiado de la burguesía que pretende consumir algo de arte porque tiene algo exótico'. La búsqueda de exotismo (arte africano, arte 'primitivo') no necesariamente implica comprensión del arte. Picasso representa el artista vanguardista que domina absolutamente la técnica tradicional antes de revolucionarla: 'puede prescindir de la forma porque entiende muy bien lo que está haciendo'.

La Gioconda (Mona Lisa)

Óleo de Leonardo da Vinci (c. 1503-1519), el retrato más famoso de la historia del arte. Mencionada en el contexto de la reproductibilidad técnica de Benjamin: 'si yo tomo la Mona Lisa de Da Vinci y la sobreimprimo en una remera, ¿estoy llevando una obra de arte?' Esta pregunta ilustra cómo la reproducción masiva transforma nuestra relación con el arte. También se menciona en la anécdota del 'dulce de batata que traía la Yoconda, en las latas': 'muchas personas recortaban perfectamente eso' y 'colgaban eso como un cuadro' en sus casas. Esta anécdota ilustra cómo 'las clases populares' mantenían 'una mirada tradicional del arte' y 'sabían que eso era una obra de arte', aunque fuera 'una reproducción en lata'. La Mona Lisa representa el arte como ideal de belleza que trasciende clases sociales, pero también cómo el capitalismo convierte todo en mercancía. La búsqueda de belleza es 'innata al ser humano' (Fischer), por eso incluso en una lata de dulce se busca la imagen de una obra maestra.

Sinfonía n°1 'Titán'

Composición de Gustav Mahler (estrenada 1889), mencionada extensamente como ejemplo de vanguardia musical. El programa reproduce el comienzo: 'Chingekinokioji... Qué maravilla'. La sinfonía 'en 1887, en 1888, cuando Mahler lo pone en escena, con la orquesta filarmónica de Viena, genera un escándalo'. Rompía radicalmente con el 'sinfonismo brahmsiano' tradicional: 'venía del sinfonismo brahmsiano, del sinfonismo que es exquisito', pero era 'un sinfonismo más reconocible'. Mahler hace algo completamente diferente: 'una persona que empieza una sinfonía con silencios, con determinados instrumentos en soledad que producen grandes silencios, gestionando una música que tiene un lenguaje absolutamente diferente'. La Titán ilustra perfectamente el concepto de vanguardia musical: conocimiento profundo de la tradición (Mahler dominaba el sinfonismo romántico) pero innovación radical en forma y lenguaje. Es 'la mejor representación de la resurrección de Cristo' en su Sinfonía n°2.